Antes de ser el poeta más leído de la Generación del 27, Federico García Lorca quiso ser músico. La música atraviesa toda su obra: el ritmo de sus versos, sus canciones, su teatro y su manera de entender lo popular.

Un pianista en Granada

En su juventud, Lorca estudió piano en Granada con el maestro Antonio Segura Mesa y soñaba con una carrera musical. La muerte de su profesor, en 1916, y la oposición familiar a que estudiara música en el extranjero lo llevaron hacia la literatura. Pero nunca dejó el piano: tocaba en reuniones, armonizaba canciones y acompañaba a cantantes.

Manuel de Falla y el Concurso de Cante Jondo

La llegada de Manuel de Falla a Granada en 1920 marcó a Lorca. Juntos organizaron el Concurso de Cante Jondo, celebrado en junio de 1922 en la Plaza de los Aljibes de la Alhambra, para reivindicar el cante primitivo andaluz frente a lo que consideraban su degradación comercial. Lorca dio una conferencia sobre el cante jondo y escribió en esos años el Poema del cante jondo, publicado en 1931.

El Romancero gitano y la canción popular

En 1928 publicó el Romancero gitano, donde el romance tradicional se encuentra con la metáfora vanguardista. Lorca recogía canciones populares por toda España, y en 1931 grabó con La Argentinita una colección de Canciones populares españolas en la que él mismo tocaba el piano. Con el teatro universitario La Barraca llevó además los clásicos y la música popular a los pueblos.

El duende

En 1933, en Buenos Aires, pronunció la conferencia Juego y teoría del duende, una reflexión sobre esa fuerza misteriosa que, según él, aparece en el arte cuando el intérprete se juega algo verdadero. Un texto que habla de poesía, pero sobre todo de música.

Las canciones populares que armonizó Lorca

En las grabaciones de 1931 con La Argentinita, Lorca acompañó al piano canciones que él mismo había recogido y armonizado: Zorongo, Anda jaleo, Los cuatro muleros, Las morillas de Jaén, Los mozos de Monleón, Sevillanas del siglo XVIII, El Café de Chinitas, Nana de Sevilla o Los pelegrinitos.

Esas canciones no se quedaron en los años treinta. Han pasado por el repertorio de cantaores, cantantes líricos y músicos de todos los estilos, y siguen siendo la vía más directa para escuchar cómo sonaba la España que Lorca recorrió.

La guitarra en la poesía de Lorca

La guitarra es casi un personaje en su obra. En el Poema del cante jondo le dedica poemas como «La guitarra», «Las seis cuerdas» o «Adivinanza de la guitarra», donde el instrumento llora, sueña y guarda las voces de los que ya no están. Para Lorca, la guitarra era la forma de entrar en el cante y en la memoria popular.

Esa relación ha seguido viva en la música de las décadas siguientes. Camarón llevó versos de Lorca a La leyenda del tiempo (1979) y Enrique Morente los cruzó con el rock y con Leonard Cohen en Omega (1996). Lorca sigue siendo uno de los poetas más cantados de la lengua española.

Si quieres situar a Lorca entre sus compañeros de generación, te lo contamos en ¿Qué fue la Generación del 27?.

Lorca, la guitarra y la palabra hoy

Esa unión entre poesía y música es el corazón de 27, La Generación, el espectáculo sobre la Generación del 27 en el que la guitarra del Maestro José Luis Montón no acompaña a los poemas: conversa con ellos. Con texto y narración de Lara Suárez, Lorca, Alberti, Cernuda y las Sinsombrero vuelven a sonar en directo.

▶ DESCUBRE 27, LA GENERACIÓN

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Durante casi un siglo, cuando se hablaba de la Generación del 27 se nombraba a Lorca, Alberti, Cernuda o Salinas. Pero junto a ellos crearon, escribieron, pintaron y pensaron muchas mujeres que la historia dejó en segundo plano. Hoy las conocemos como las Sinsombrero.

¿Por qué «Sinsombrero»?

El nombre nace de una anécdota que contaba la pintora Maruja Mallo: un día, al cruzar la Puerta del Sol con Margarita Manso, Salvador Dalí y Federico García Lorca, se quitaron el sombrero. En el Madrid de los años veinte, ir a cuerpo descubierto era un gesto de rebeldía, y los transeúntes los increparon. Aquel gesto simbolizaba la libertad que estas mujeres reclamaban.

El término se popularizó en 2015 gracias al proyecto documental Las Sinsombrero, de Tània Balló, Serrana Torres y Manuel Jiménez Núñez, que devolvió sus nombres al debate público.

Quiénes fueron las Sinsombrero

Maruja Mallo, pintora gallega de la vanguardia, admirada por los surrealistas. Margarita Manso, pintora e ilustradora. Ángeles Santos, autora de Un mundo (1929), una de las pinturas más singulares de su tiempo. Marga Gil Roësset, escultora e ilustradora de enorme talento.

Concha Méndez, poeta y editora, que fundó con Manuel Altolaguirre una imprenta y varias revistas literarias. Ernestina de Champourcín, poeta de la espiritualidad y del amor, incluida en la antología de Gerardo Diego de 1934. Josefina de la Torre, poeta, actriz y cantante canaria, también presente en esa antología.

María Zambrano, filósofa de la «razón poética» y primera mujer en recibir el Premio Cervantes (1988). Rosa Chacel, novelista y ensayista. María Teresa León, escritora y autora de Memoria de la melancolía.

El Lyceum Club y la conquista del espacio público

En 1926 se fundó en Madrid el Lyceum Club Femenino, presidido por María de Maeztu, un lugar de encuentro, debate y creación para mujeres intelectuales. Allí se hablaba de literatura, de arte y de derechos. Muchas de las Sinsombrero participaron en esa vida cultural que la Guerra Civil y el exilio truncaron.

Exilio y olvido

Tras 1939, muchas de ellas marcharon al exilio —Concha Méndez y Ernestina de Champourcín a México, María Zambrano a América y Europa— y su obra quedó fuera de los manuales durante décadas. Recuperarlas no es solo hacer justicia: es entender de verdad qué fue el 27.

Las obras de las Sinsombrero

Ernestina de Champourcín publicó su primer libro, En silencio, en 1926, y en 1936 Cántico inútil. Amiga y discípula de Juan Ramón Jiménez, fue una de las dos únicas mujeres incluidas en la edición de 1934 de la antología de Gerardo Diego. La otra fue Josefina de la Torre, poeta, actriz y novelista canaria, autora de Versos y estampas (1927).

Concha Méndez fue poeta, dramaturga y editora: junto a Manuel Altolaguirre levantó una imprenta de la que salieron revistas y libros fundamentales del grupo. María Teresa León, escritora y compañera de Rafael Alberti, participó durante la guerra en la protección del patrimonio artístico y dejó en Memoria de la melancolía uno de los grandes testimonios del exilio.

En la pintura y el pensamiento brillaron Maruja Mallo, cuyas Verbenas se expusieron en la Revista de Occidente en 1928; Rosa Chacel, autora de Estación. Ida y vuelta; y María Zambrano, filósofa de la razón poética y primera mujer en recibir el Premio Cervantes, en 1988.

La recuperación de las Sinsombrero

Durante décadas, los manuales hablaron de la Generación del 27 como de un grupo de hombres. La recuperación de estas autoras ha llegado sobre todo en los últimos años, gracias a reediciones, estudios académicos y al proyecto Las Sinsombrero, impulsado por Tània Balló, que incluyó un documental emitido por RTVE en 2015 y varios libros.

El centenario de 2027 es la gran oportunidad para completar el retrato. Hablar del 27 sin ellas es contar solo la mitad de la historia. Si quieres conocer el contexto completo, empieza por qué fue la Generación del 27.

Las Sinsombrero en escena

En 27, La Generación, el espectáculo sobre la Generación del 27 de José Luis Montón y Lara Suárez, Ernestina de Champourcín, Concha Méndez y María Zambrano ocupan el lugar que merecen junto a sus compañeros. La guitarra en directo y la palabra devuelven sus voces al escenario.

▶ DESCUBRE 27, LA GENERACIÓN

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En diciembre de 1927, un grupo de jóvenes escritores viajó a Sevilla para rendir homenaje a Luis de Góngora en el tercer centenario de su muerte. Aquel encuentro en el Ateneo de Sevilla, apadrinado por el torero e intelectual Ignacio Sánchez Mejías, dio nombre a una de las generaciones más brillantes de la cultura española: la Generación del 27.

El homenaje a Góngora: el origen del nombre

Góngora había muerto en 1627 y durante siglos su poesía se consideró oscura y difícil. Aquellos jóvenes reivindicaron su audacia, su gusto por la metáfora y su libertad formal. A Sevilla acudieron, entre otros, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, José Bergamín y Juan Chabás. La fotografía de aquellos días se convirtió en la imagen de una generación.

Los poetas de la Generación del 27

La nómina clásica reúne a Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. La antología Poesía española de Gerardo Diego (1932) contribuyó a fijar el grupo, y su edición de 1934 incorporó a dos poetas: Ernestina de Champourcín y Josefina de la Torre.

Compartían amistades, revistas como Litoral o La Gaceta Literaria y lugares de encuentro como la Residencia de Estudiantes de Madrid. Su poesía unía la tradición —el romancero, la canción popular, los clásicos del Siglo de Oro— con las vanguardias europeas.

Las mujeres del 27: las Sinsombrero

Durante décadas, la historia del 27 se contó casi solo en masculino. Hoy reconocemos a las Sinsombrero: pintoras, poetas, pensadoras y escritoras como Maruja Mallo, Concha Méndez, Ernestina de Champourcín, María Zambrano, Rosa Chacel o María Teresa León, que transformaron la cultura de su tiempo. Te lo contamos en Las Sinsombrero: las mujeres de la Generación del 27.

La música y la tradición popular

Pocas generaciones literarias estuvieron tan cerca de la música. Lorca fue pianista antes que poeta, organizó con Manuel de Falla el Concurso de Cante Jondo de 1922 y grabó canciones populares con La Argentinita. Lo explicamos en Lorca y la música: del piano al cante jondo.

Guerra, exilio y reconocimiento

La Guerra Civil rompió el grupo. Lorca fue asesinado en 1936; Alberti, Cernuda, Salinas, Guillén, Prados, Altolaguirre y muchas de las Sinsombrero marcharon al exilio. Con los años llegó el reconocimiento: Vicente Aleixandre recibió el Premio Nobel en 1977, y Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Rafael Alberti y María Zambrano, el Premio Cervantes.

Características de la poesía del 27

Lo que define a la Generación del 27 es su capacidad para unir tradición y vanguardia. Estos poetas admiraban a Góngora, pero también a Bécquer, a Garcilaso y a los cancioneros populares; al mismo tiempo, conocían el ultraísmo, el creacionismo y, más tarde, el surrealismo. De esa mezcla nace una poesía que puede ser a la vez culta y popular, rigurosa y apasionada.

En sus primeros años domina la poesía pura, atenta a la imagen y a la forma, de la que Cántico de Jorge Guillén es el gran ejemplo. Junto a ella florece el neopopularismo: Lorca y Alberti recrean el romance, la copla y la canción tradicional, y Alberti gana el Premio Nacional de Literatura con Marinero en tierra. A partir de 1929 llega la etapa más rebelde y surrealista, con libros como Sobre los ángeles, Poeta en Nueva York o La destrucción o el amor.

El grupo creció en lugares y revistas concretos: la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde convivieron Lorca, Dalí y Buñuel; la Revista de Occidente; la revista Litoral, fundada en Málaga por Emilio Prados y Manuel Altolaguirre; o Gallo, en Granada. La antología Poesía española de Gerardo Diego (1932) terminó de fijar la nómina del grupo.

Obras esenciales para empezar a leer el 27

Si quieres acercarte a esta generación, estos libros son una buena puerta de entrada:

• Romancero gitano (1928), Federico García Lorca.
• Cántico (1928), Jorge Guillén.
• Sobre los ángeles (1929), Rafael Alberti.
• La voz a ti debida (1933), Pedro Salinas.
• La destrucción o el amor (1935), Vicente Aleixandre.
• La realidad y el deseo (1936), Luis Cernuda.
• Hijos de la ira (1944), Dámaso Alonso.

Y, para conocer a las autoras que la historia dejó en segundo plano, merece la pena leer a Concha Méndez, Ernestina de Champourcín o Josefina de la Torre. Lo contamos en Las Sinsombrero: las mujeres de la Generación del 27.

El centenario de la Generación del 27 (1927–2027)

En 2027 se cumplen cien años de aquel homenaje en Sevilla. El Ministerio de Cultura ha creado una Comisión Nacional para la conmemoración, y ciudades como Madrid y Sevilla preparan programaciones con decenas de actividades: exposiciones, congresos, recitales y espectáculos.

La Generación del 27 sobre el escenario

27, La Generación es un espectáculo sobre la Generación del 27 en el que la guitarra y la palabra se dan la mano para contar la vida y la obra de estos poetas: la música original del Maestro José Luis Montón, interpretada en directo, y el texto y la narración de Lara Suárez. Un viaje por Lorca, Alberti, Cernuda y las Sinsombrero, pensado también para la programación del centenario.

▶ DESCUBRE 27, LA GENERACIÓN

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Hay una parte de la guitarra flamenca que no suele tratarse en profundidad, y sin embargo es la base de todo: el pulgar.

Verás, todos copiamos. Es un hecho. Todos hemos aprendido copiando a un Maestro.

Yo aprendí del mío así. Aprendí a colocar la mano izquierda de la forma correcta observando cómo lo hacía, sin pisar más fuerte de la cuenta. Observé cómo movía su mano derecha, pasando del arpegio al picado de una forma fluida, con notas interesantes, no solo rápidas.

Y le copié.

Así es como entendí que copiar a un Maestro te puede cambiar la vida y darle sentido a tu música, tanto a la composición como a la interpretación.

La gran noticia: puedes copiar todo lo que necesitas

Lo que te traigo hoy va de copiar y de cómo creo que te puede ayudar muchísimo a avanzar y a mejorar tu toque.

Mi aportación para copiarnos son mis cursos. Te invito a que copies lo que tengo que decirte en mis clases. Podrás copiarlo todo — de hecho está pensado para eso, para que copies todo lo que te pueda ayudar a avanzar.

Hay un montón de cosas que pueden marcar un antes y un después para ti.

Copiar bien es un arte

No se trata de imitar mecánicamente. Se trata de observar con atención, de entender el porqué de cada gesto, de cada fraseo. Cuando copias a un Maestro de verdad, no solo reproduces lo que hace — interiorizas su forma de pensar la música.

Eso es lo que yo intenté hacer. Y eso es lo que mis cursos están diseñados para transmitir.

Y lo digo en serio, yo confieso que le he copiado a Dani de Morón (con su permiso 😀) una de las ideas que cuenta en su curso. Y me ha inspirado la forma jerezana del compás de Alfredo Lagos.

Un abrazo,
José Luis Montón

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Hay una parte de la guitarra flamenca que casi nadie trabaja en profundidad, y sin embargo es la base de todo: el pulgar.

No me refiero solo a usarlo para hacer los bajos. Me refiero a entenderlo, a sentirlo, a convertirlo en tierra firme sobre la que construye todo lo demás.

¿Por qué el pulgar es tan importante?

En la guitarra flamenca, el pulgar tiene dos funciones esenciales. Por un lado, sostiene el ritmo de los bajos, marcando la armonía que da sentido a todo lo que ocurre encima. Por otro, cuando toca melodía, tiene una capacidad única: dulcificar el sonido.

José Luis lo dice así: el pulgar es Tierra. Es el anclaje. El punto de referencia desde el que el guitarrista flamenco puede volar con el resto de la mano.

Cuando el pulgar falla —cuando no tiene presión, posición o timing correcto— todo lo demás tambalea. Cuando funciona bien, la música respira.

Lo que vas a trabajar en este microaprendizaje

En este vídeo clase de 7 minutos, José Luis trabaja la técnica del pulgar a través de dos estudios prácticos. Uno de ellos es del maestro Manolo Sanlúcar —una referencia que José Luis sigue usando en su propia práctica hoy.

No se trata de teoría. Se trata de poner las manos encima y sentir la diferencia.

Lo que dicen los alumnos

¿Quieres ir más allá?

Si este microaprendizaje te ha resultado útil, los cursos de guitarra flamenca de José Luis Montón profundizan en estos conceptos: pulso, palos, falsetas, técnica y musicalidad, todo desde un enfoque propio y personal.

Ver los cursos de guitarra flamenca →

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Hay algo que ningún profesor te puede dar y que ningún método puede enseñarte: tu propio latido.

El ritmo no es una fórmula matemática. No es algo que se calcula ni que se imposta. Es algo orgánico, vivo, que ya está dentro de ti. El problema es que muchos guitarristas pasan años intentando reproducir el ritmo de otro en lugar de encontrar el suyo. Y eso va contra natura.

Nadie puede ser lo que no es. Y en el flamenco, esa verdad se nota enseguida.

¿Qué es el Latido en el Flamenco?

El latido es ese pulso interno, ese metrónomo biológico que tienes desde que naciste. En la guitarra flamenca, conectar con él es la diferencia entre tocar con fluidez o luchar contra el compás. Es lo que separa a quien “suena” de quien solo “toca notas”.

Cuando José Luis Montón habla del latido, habla de un cambio de concepto total: dejar de perseguir el ritmo y empezar a habitarlo. Ese giro mental —y físico— es el que abre la puerta a un flamenco genuino, personal e intransferible.

Microaprendizaje: El Latido

En este microaprendizaje, José Luis te guía para que encuentres esa fluidez rítmica desde tu propio latido. No desde el suyo. Desde el tuyo.

Es un concepto que José Luis lleva años aplicando en su propia música y que comparte con sus alumnos: el ritmo que nace de dentro es el único que te va a servir. El de otro, por muy bueno que sea, siempre será prestado.

Lo que dicen los alumnos

¿Quieres ir más allá?

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Ni en sueños lo habría imaginado

Aún escucho EMOCIONADO el sonido la nueva Guitarra de Ramírez, Modelo José Luis Montón. Un lujo de sonido, afinación, timbre y pulsación. Y un precioso regalo que me ha hecho la familia Ramírez, una de las empresas artesanales de construcción de guitarra española más importantes del mundo, de tradición centenaria e historia viva de la guitarra flamenca. Y en Madrid desde finales del S.XIX.

Guitarras Ramírez

La familia Ramírez, Maestros guitarreros desde 1882, conjugan Tradición, Experiencia, Calidad, Innovación y Profesionalidad con un valor aún más importante: el amor con el que hacen sus guitarras. Son centenarios también en eso. Y se nota en el sonido, afinación, timbre y pulsación de los instrumentos que llevan su firma. A su buen hacer profesional se suma un hecho insólito que logra mejorar la calidad del sonido de sus guitarras: la antigüedad de sus maderas. Como empresa centenaria utilizan para la construcción de sus instrumentos maderas que han tenido un secado natural, de entre 40 y 70 años de antigüedad, lo que aporta una mayor calidad al sonido gracias a su estabilidad ante los cambios de humedad y sequedad y la cristalización de sus resinas.

Sus guitarras las hacen a mano en su taller

Que todo suma no admite discusión pero, sin duda, el dato que hace de la Ramírez Montón un instrumento muy especial es que está HECHA A MANO . En el madrileño taller de los Ramírez cuidan con mimo y esmero cada uno de los detalles de esta guitarra tan especial. Y se nota. La Ramírez Montón está hecha a mano, de construcción sencilla, con aros y fondo en ciprés macizo y tapa en abeto macizo. Su Clavijero es de alta precisión Alessi. Opción de barnizado a poliuretano o gomalaca. Este modelo está especialmente diseñado para José Luis Montón con un óvalo en ébano incrustado en el aro con marca de Ramírez y mi firma en la cabeza. 

En esta entrada de blog te he contado algunas de las razones por las que desde hace años mi guitarra Ramírez me acompaña por los escenarios del mundo. Y el motivo de que lo haya querido compartir contigo, si es que estás buscando una guitarra. Si ese es tu caso y te interesa esta guitarra contáctame sin compromiso y te aclaro cualquier duda que pueda surgir. Es una decisión de compra que requiere ser pensada con detenimiento y estar encantado de ayudarte en poder acertar sobre algo tan importante.

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¡Y muchas gracias por el interés!

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“Me Refugio En Tu Luz” (Ave María), con Miguel Poveda.

🙏 Aún escucho EMOCIONADO el cante de Miguel Poveda. No importa cuantas sean las veces que lo haga porque, en todas, me digo lo mismo: he formado parte de un milagro. Imaginé en sueños “Me refugio en tu luz”, un arreglo flamenco del “Ave María” de Schubert que, más tarde, Miguel atravesó con ese Alma que le hace grande, llenándolo de palabras que evocan un hermoso ruego. Su voz inundó con su generosidad las notas de mi guitarra y, entonces, sucedió como en pocas ocasiones sucede: la realidad superó a lo soñado.

Ha sido un privilegio inmenso que hoy os quiero compartir.

Espero que disfrutéis de este primer tema de mi disco “FLA MENCO & CLASSICA”

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🎧 El  CD  “Flamenco & Classica”: https://bit.ly/31cfGq2
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¡ESPERO QUE LO DISFRUTES!

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 “Borra To Lo Malo” (Danza Húngara), con Sheila Blanco. 

Para mí “Borra To Lo Malo” es Sencillamente GENIAL. Una interpretación ESPECTACULAR. Y, gracias a Sheila Blanco, una oportunidad para CONMEMORAR el 124 aniversario de la muerte de un genio: Johannes Brahms. Sucedió un 3 de abril. Se apagó entonces, pero nunca lo hizo ni lo hará su música. Ni sus danzas húngaras. En esta ocasión Sheila Blanco, con ese DON que ella demarra en todo lo que hace, logró adaptar mi lenguaje flamenco al de Brahms, tan rico y lleno de matices.

Me gustaría añadir que ha sido todo un reto pero, gracias al amplísimo registro de Sheila Blanco, que adquiere otra dimensión a través de su interpretación, creo que logramos encontrar lo que ambos buscábamos: regalarnos un canto que le rinda un tributo a la MÚSICA, con esas mayúsculas que merece, y más aún, a la Música Clásica. Creo que es mutuo nuestro deseo: que el genio de Brahms se escuche en cualquier rincón, no importa el estilo que sirva de vehículo para que eso suceda, porque todas las músicas nacen del alma humana, por eso están previstas a encontrar.

Espero que disfrutéis de este psegundo tema de mi disco “FLA MENCO & CLASSICA”

Si quieres ver el vídeo Haz CLIC AQUÍ .

Flamenco y Classica | Basado en la Danza Húngara de nº 5 en Fa # Menor, WoO 1 Brahms

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¡ESPERO QUE LO DISFRUTES!

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Magia, ése es el adjetivo con el que calificaría lo que el trabajo de “Solo Guitarra” supuso para mí. “Con Permiso”, “Piel suave”, “Altolaguirre” y muchos otros de los doce temas que componen este disco grabado con la discográfica ECM – uno de los sellos independientes internacionales más prestigiosos – me sumergieron en un viaje sincero hacia la difícil sencillez  de la guitarra.  Desde entonces un gran número de guitarristas me han preguntado si tenía partituras de mis  temas, a lo que hoy puedo contestar que este libro es la respuesta.

Tengo una deuda de gratitud con mi amigo Hernán Navarro, que ha tenido la paciencia y el mimo necesario para que este trabajo quedara plasmado en  partituras y tablatura para que todo el mundo pueda tocarlo. Y, la verdad, nada me haría más feliz.

Espero que lo disfrutes.

José Luis Montón.

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